Goksung (2016) - Review in english

Goksung (original title) or The Wailing (English title), the new film from South Korean director and writer Hong-jin Na (known for Chugyeogja - Chaser - 2008 and Hwanghae - The Yellow Sea - 2010), is already considered one of the great works in the horror genre, addressing a macabre part of eastern culture on legends, curses, evil spirits and mysticism, being one of the highlights at the Cannes Film Festival.

Coincidentally after the arrival of a stranger, a strange disease begins to spread in the small village of Goksung, triggering a series of brutal murders. What at first appears to be only crimes of passion just takes darker contours, since all deaths occur in mysterious circumstances. In charge of the investigation, the police officer Jong-Goo (played by Do Won Kwak, known for Ajeossi - The Man From Nowhere - 2010) searches for clues and explanations to the tragic events. When his daughter, Hyo-jin (played by Kim Hwan-hee), begins to feel the strange symptoms of the disease, he has to fight against time to solve the mysterious case and save her life.

With a rhythmic narrative, The Wailing presents a folk story associated with Eastern mysticism and also the occultism, marked by elements of mystery, horror and supernatural, as guardians, demons and shamans, and the unfolding of the plot gradually gets more intense and disquieting contours. The technical quality is one aspect that stands out in the movie. The picture and the soundtrack provide an immersive and engaging combination as ambiance, expressed by constant rain, the mud, the precariousness of the small village, the striking features of a small town, as well as makeup and massacre scenarios, consolidate the mystical and eerie atmosphere of the film, expanding the mystery and holding the viewer's attention.

The script plays well with expectations, building some characters in a dubious way, without specifying their actual intentions. A relatively simple story is presented in a complex and intriguing way, where apparently scenes with no great purpose show us much, requiring attention to small details, whether occult symbols or religious references (Biblical). Crows and goat's head are used throughout the narrative, symbolizing death and evil omen and referring to the profane and witchcraft.

The film manages to build an atmosphere of terror without abusing the typical genre tricks. The moments of humor are used to softer the approach of a subject that in itself is already quite tense. Here it is worth mentioning the great performance of Do Won Kwak in the caricatured role of the lazy, fumbling and fearful police officer, though well intentioned.

With a competent job of the cast, efficient direction creating an atmosphere that blends mystery, horror and comedy as well as providing much reflection with an end open to different interpretations and also for its originality, The Wailing is one of the most significant movies within the genre in recent years.

Original title: Goksung
English title: The Wailing
Director: Hong-jin Na
http://www.imdb.com/title/tt5215952/

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Goksung (2016)

Goksung (título original) ou O Lamento (em português), o novo filme do diretor e escritor sul-coreano Hong-jin Na (conhecido por Chugyeogja - O Caçador - 2008 e Hwanghae - 2010), já é considerado uma das grandes obras dentro do gênero de horror, abordando uma parte macabra da cultura oriental sobre lendas, maldições, espíritos malignos e misticismo, sendo inclusive um dos destaques no Festival de Cannes.

Coincidentemente após a chegada de um forasteiro, uma estranha doença começa a se espalhar na pequena aldeia de Goksung, desencadeando uma série de assassinatos brutais. O que a princípio parece ser apenas crimes passionais logo toma contornos mais sombrios, visto que todas as mortes ocorrem em circunstâncias misteriosas. Encarregado da investigação o policial Jong-Goo (interpretado por Do Won Kwak, conhecido por Ajeossi - O Homem de Lugar Nenhum - 2010) busca por pistas e explicações para os trágicos acontecimentos. Quando sua filha, Hyo-jin (interpretada por Hwan-hee Kim), começa a sentir os estranhos sintomas da doença, ele passa a lutar contra o tempo para resolver o misterioso caso e salvar a vida dela.

Com uma narrativa cadenciada, O Lamento nos apresenta uma história folclórica associada ao misticismo oriental e também ao oculto, marcada por elementos de mistério, terror e sobrenatural, como guardiões, demônios e xamãs, e com o desenrolar da trama gradualmente ganha contornos mais intensos e inquietantes. A qualidade técnica é um dos aspectos que se destaca no longa-metragem. A fotografia e a trilha sonora proporcionam uma combinação imersiva e envolvente, enquanto a ambientação, expressa pela chuva constante, pelo lamaçal, pela precariedade da pequena aldeia, pelas características marcantes de uma pequena cidade do interior, além da maquiagem e dos cenários de massacre, consolidam o ar místico e lúgubre do filme, ampliando o mistério e prendendo a atenção do espectador.

O roteiro trabalha bem com as expectativas, construindo alguns personagens de maneira dúbia, sem explicitar as suas reais intenções. Uma história relativamente simples nos é apresentada de maneira complexa e intrigante, onde cenas aparentemente sem grande propósito nos revelam muito, exigindo atenção aos pequenos detalhes, sejam eles símbolos do ocultismo ou referências religiosas (Bíblicas). Corvos e cabeça de bode são utilizados ao longo da narrativa, simbolizando a morte e o mal presságio e remetendo ao profano e à bruxaria. 

O filme consegue construir uma atmosfera de terror sem abusar dos truques típicos do gênero. Os momentos de humor são utilizados para tornar mais suave a abordagem de um tema que por si só já é bastante tenso. Aqui cabe ressaltar a ótima atuação de Do Won Kwak no papel caricatural do policial preguiçoso, atrapalhado e medroso, embora seja bem intencionado.

Com um trabalho competente do elenco, uma direção eficiente criando uma atmosfera que mistura mistério, terror e comédia além de proporcionar muita reflexão com um final aberto a diferentes interpretações e também por sua originalidade, O Lamento é um dos longas-metragens mais significativos dentro do gênero nos últimos anos. 

Título original: Goksung
Título em português: O Lamento
Diretor: Hong-jin Na
http://www.imdb.com/title/tt5215952/

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Kollektivet (2016) - Review in english

Kollektivet (original title) or The Commune (English title), the new movie from director Thomas Vinterberg (known for Festen - The Celebration - 1998, Submarine - 2010 and Jagten - The Hunt - 2013), one of the founders of the film movement Dogme 95, which seeks to create a more realistic and less commercial cinema, deals with a family in the 70s, formed by the father Erik (played by Ulrich Thomsen, known for Festen - The Celebration - 1998 and Adams æbler - Adam's Apples - 2005), the mother Anna (represented by Trine Dyrholm, known for Festen - The Celebration - 1998 and DeUsynlige - Troubled Water - 2008) and the daughter Freja (played by Martha Hansen). Erik inherits the house of his family after the death of his father, but considering it very large and with high maintenance costs he is willing to sell it. However, his wife convinces him to turn the house into a kind of community, inviting some friends and even interviewing strangers to share the house and to help pay the bills. Living in a group, like a big family, they have dinners, parties and regular meetings so that important matters are made democratically. But the utopia around this experiment begins to be questioned when a love affair shakes the small community.

Kollektivet hits to portray very well the time when the story takes place: the 70s in Copenhagen. The production design, costumes and characters's characterization, expressed by the clothes, hair and costumes, confer credibility and immerse the viewer in the plot. But the film errs for not develop enough the characters that are not part of the central plot. The director should have further explored the group in conflict scenes and the writer could have better elaborated the difficulties of social life that are inherent to a life in a community. As it was written the supporting actors add little to the story and the parallel plot of Freja's journey into adulthood opposed to the reflection of everything that happens within the community deserved to be better developed.

The big highlight is the actress Trine Dyrholm, who received the Silver Bear for Best Actress at the Berlin Film Festival this year for her excellent performance. The most dramatic scenes and the strongest blows that we took in the feature film are starred by her character, Anna, a television news presenter. The actress representation convinces not only because her ability to express emotions in times of joy or in the darkest moments, but by the naturalness of interpretation, which makes the viewer forget that it's just a role play.

Convivial challenges can be overcome? To what extent a community project should override the individual interests? What is more important: the individual or the collective? Life in community is possible? These are some of the questions that The Commune tries to address, but ends up doing superficially. Director Thomas Vinterberg had talent to produce a film with a final result much better than he produced.

Original title: Kollektivet
English title: The Commune
Director: Thomas Vintenberg
http://www.imdb.com/title/tt3082854/

Trailer (with some spoilers):

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Kollektivet (2016)

Kollektivet (no original) ou A Comunidade (em português), o novo filme do diretor Thomas Vintenberg (conhecido por Festen - Festa de Família - 1998, Submarino - 2010 e Jagten - A Caça - 2013), um dos fundadores do movimento cinematográfico Dogma 95, que busca a criação de um cinema mais realista e menos comercial, aborda uma família nos anos 70, formada pelo pai Erik (interpretado por Ulrich Thomsen, conhecido por Festen - Festa de Família - 1998 e Adams æbler - Entre o Bem e o Mal - 2005), pela mãe Anna (representada por Trine Dyrholm, conhecida por Festen - Festa de Família - 1998 e DeUsynlige - Águas Turvas - 2008) e pela filha Freja (interpretada por Martha Hansen). Erik herda a casa de sua família após a morte de seu pai, mas por considerá-la muito grande e com altos custos de manutenção está disposto a vendê-la. Contudo, sua esposa o convence a transformar a casa em uma espécie de coletividade, convidando alguns amigos e entrevistando até desconhecidos para dividirem as contas e compartilharem a nova moradia. Vivendo em grupo, como se fossem uma grande família, eles realizam jantares, festas e reuniões periódicas para que assuntos importantes sejam decididos democraticamente. Mas toda a utopia em torno deste experimento começa a ser questionada quando um caso de amor abala a pequena comunidade.

Kollektivet acerta ao retratar muito bem a época em que se passa a história: os anos 70 em Copenhague. O design de produção, o figurino e a caracterização dos personagens, expressos pelas roupas, cabelos e costumes, conferem credibilidade, ambientam e imergem o espectador na trama narrada. Mas o filme peca por não desenvolver bem os personagens que não fazem parte do enredo central. O diretor deveria ter explorado mais as cenas de conflito em grupo e o roteirista poderia ter elaborado melhor as dificuldades de convívio social que são inerentes à vida em coletividade. Da forma que foi escrito os atores coadjuvantes pouco agregam e a trama em paralelo sobre o amadurecimento de Freja frente à reflexão de tudo o que ocorre dentro da comunidade merecia ser melhor trabalhada.

O grande destaque fica por conta da atriz Trine Dyrholm, que recebeu o Urso de Prata de Melhor Atriz no Festival de Berlim deste ano por sua excelente atuação. As cenas mais dramáticas e os golpes mais fortes que levamos no longa-metragem são protagonizados por sua personagem, Anna, uma apresentadora de telejornal. A representação da atriz convence não só por conseguir expressar as emoções nos momentos de alegria ou nos acontecimentos mais sombrios, mas pela naturalidade da interpretação, que chega a fazer com que o espectador se esqueça de que é apenas uma encenação.

Os desafios de convívio podem ser superados? Até que ponto um projeto de comunidade deve se sobrepor aos interesses individuais? O que é mais importante: o indivíduo ou o coletivo? A vida em coletividade é possível? Esses são alguns dos questionamentos que A Comunidade tenta introduzir, mas acaba abordando de forma superficial. O diretor Thomas Vintenberg tinha talento para produzir um filme com um resultado final muito melhor do que produziu.

Título original: Kollektivet
Título em português: A Comunidade
Diretor: Thomas Vintenberg
http://www.imdb.com/title/tt3082854/

Trailer legendado (com alguns spoilers):

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Busanhaeng (2016) - Review in english

Horror movies were never the same after the zombie trilogy by the director George Andrew Romero. In Night of the Living Dead (1968) we were presented to zombies who eat human flesh, a thriller mixing horror and social criticism. In the second film, Dawn of the Dead (1978), besides the social satire about paranoia and humanity to the brink of apocalypse, the movie explores the comic potential of zombies, especially black humor. We are the headless and cannibalistic beings who roam the cities. Closing the trilogy, Day of the Dead (1985) continues with the social criticism and the comic tone, but relies on a more depressive and gloomy scenario, apart from the use of graphic violence. Following the footsteps of George Romero we have the gore Braindead (1992), the horror 28 Days Later (2002) and Rec (2007), and in humor genre, Shaun of the Dead (2004), Zombieland (2007) and Død snø - Dead Snow (2009).

The South Korean movie Busanhaeng (original title) or Train to Busan (english title) focuses on horror and action, with some moments of suspense. Written and directed by Sang-ho Yeon (known for the zombie animation Seoul Station - 2016), the film tells the story of a financial sector executive, Seok Woo (played by Yoo Gong, known for Do-ga-ni - Silenced - 2011) who agrees to travel with his daughter, Soo-an (represented by Soo Kim-an), from the capital Seoul to the city of Busan for she spends some time with her mother (Seok's ex-wife). After embarking on a modern express train (KTX) passengers discover that an epidemic is raging South Korea, turning much of the population into zombies. With an infected person on board and the disease rapidly spreading, father, daughter and other passengers will have to fight for survival and for their lives, trapped inside a high-speed moving train.

The director Sang-ho Yeon does a great job, managing to immerse the viewer in the plot. Despite most of the action been set in a train the film has a dynamic narrative and impresses for its visual and technical accuracy. Unlike the slow zombies of George Romero's trilogy in Train to Busan they are extremely agile, threatening and lethal. Another highlight is the cast. The characters are well developed, even for a horror movie and the actors deliver relevant performances, especially Sang Hwa (played by Dong-seok Ma, known for Joheunnom nabbeunnom isanghannom - The Good, The Bad, The Weird - 2008), the girl in the role of the daughter, Soo-an Kim, and Yoo Gong acting as the father. The soundtrack and sound effects are moderate, providing genuine scares.

There are still some elements in the movie of South Korean culture, as the obsession with education and study, and a strong critique of modern society. The quest for professional success even at the expense of family and leisure time is questioned in the film, as well as the social tension. Moral and ethical conflicts involving empathize or not for others and follow or not the animal instinct of self-preservation are exploited by different profiles of the surviving passengers.

Despite having some cliches of the zombie genre Busanhaeng is a great horror film, with good moments of suspense, well-constructed action scenes, a well-chosen cast and the right amount of tension to captivate the viewer.

Original title: Busanhaeng

English title: Train to Busan

Director: Sang-ho Yeon

http://www.imdb.com/title/tt5700672/

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Busanhaeng (2016)

O cinema de terror nunca mais foi o mesmo depois da trilogia de filmes de zumbi do diretor George Andrew Romero. Em Night of the Living Dead - A Noite dos Mortos-Vivos (1968) fomos apresentados aos zumbis comedores de carne humana, numa mistura de suspense, horror e crítica social. Já no segundo filme, Dawn of the Dead - Despertar dos Mortos (1978), além da sátira social sobre paranoia e a humanidade à beira do apocalipse, explora-se o potencial cômico dos zumbis, sobretudo o humor negro. Nós somos os seres acéfalos e canibais que vagam pelas cidades. Fechando a trilogia, Day of the Dead - Dia dos Mortos (1985) continua com a crítica social e com o tom cômico, mas se apoia em um cenário mais depressivo e melancólico, além de utilizar bastante a violência gráfica. Seguindo os passos de George Romero, temos o gore (sanguinolência) Braindead - Fome Animal (1992), os de horror 28 Days Later - Extermínio (2002) e Rec (2007), e na linha de humor, Shaun of the Dead - Todo Mundo Quase Morto (2004), Zombieland - Zumbilândia (2007) e Død snø - Zumbis na Neve (2009).

Já o longa-metragem sul-coreano Busanhaeng (título original) ou Invasão Zumbi (em português) foca no horror e na ação, com alguns momentos de suspense. Escrito e dirigido por Sang-ho Yeon (conhecido pela animação zumbi Seoul Station - 2016), o filme conta a história de um executivo do setor financeiro, Seok Woo (interpretado por Yoo Gong, conhecido por Do-ga-ni - 2011), que concorda em viajar com sua filha, Soo-an (representada por Soo-an Kim), da capital Seul para a cidade de Busan para que ela passe um tempo com a mãe (ex-esposa de Seok). Após embarcarem em um moderno trem expresso (KTX) os passageiros descobrem que uma epidemia está assolando a Coreia do Sul, transformando boa parte da população em zumbis. Com uma pessoa infectada a bordo e com a doença rapidamente se espalhando, pai, filha e demais passageiros precisarão lutar pela sobrevivência e por suas vidas, presos dentro de um trem de alta velocidade em movimento.

  

O diretor Sang-ho Yeon realiza um ótimo trabalho, conseguindo imergir o espectador na trama narrada. Apesar de ter a maior parte de sua ação ambientada em um trem o filme possui uma narrativa dinâmica e impressiona pelo apuro visual e técnico. Ao contrário dos zumbis lentos da trilogia de George Romero, em Busanhaeng eles são extremamente ágeis, ameaçadores e letais. Outro ponto de destaque é o elenco. Mesmo se tratando de um filme de horror os personagens são bens desenvolvidos e os atores entregam performances relevantes, sobretudo Sang Hwa (interpretado por Dong-seok Ma, conhecido por Joheunnom nabbeunnom isanghannom - Os Invencíveis  - 2008), a garota no papel da filha, Soo-an Kim, e Yoo Gong atuando como o pai. Os efeitos sonoros e a música são moderados, proporcionando sustos genuínos.

Há ainda no longa-metragem alguns elementos da cultura sul-coreana, como a obsessão com educação e estudo, e uma forte crítica à sociedade moderna. A busca pelo sucesso profissional mesmo em detrimento de momentos ao lado da família e de lazer é questionada no filme, assim como a tensão social. Conflitos morais e éticos envolvendo ter empatia ou não pelos outros e seguir ou não o instinto animal da autopreservação são explorados pelos distintos perfis dos passageiros sobreviventes.

Apesar de contar com alguns clichês do gênero zumbi, Busanhaeng é um ótimo filme de horror, com bons momentos de suspense, cenas de ação bem construídas, um elenco bem escolhido e tensão na medida certa para cativar o espectador.

Título original: Busanhaeng

Título em português: ainda sem título

Diretor: Sang-ho Yeon

http://www.imdb.com/title/tt5700672/

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Wie Brüder im Wind (2015) - Review in english

Cinema has good films that tell a story between man and animal. Among them we can mention: Born Free (1966), Brother of the Wind (1973), The Black Stallion (1979), L'ours - The Bear (1988), Cheetah (1989), Fly Away Home (1996), Duma (2005), Eight Below (2006), Le Renard et L'enfant - The Fox & The Child (2007), Life of Pi (2012) and The Jungle Book (2016). In Wie Brüder im Wind (original title) or Brothers of the Wind (English title), the story revolves around a child and a bird of prey, in 1960, in some place of the Austrian alps. In nature the eagle creates two chicks, and the strongest always ends up throwing the weakest out of the nest. Thus, after being pushed by the older chick out of the nest and fall to the forest floor, which would be a death sentence for the youngest chick, he is rescued by Lukas (acted by Manuel Camacho), which takes care of the wild animal in secret. With relationship problems with his father Keller (played by Tobias Moretti, known for Das Finstere Tal - The Dark Valley - 2014), the boy finds love and companionship in the bird, named Abel. But when the time comes to release the eagle back to nature will Abel be able to reintegrate himself to the wildlife and will Lukas find his own release for a new life?

The story is narrated by Jean Reno (known for Léon - The Professional - 1994), who plays the character Danzer, a forester who lives on site. The film is directed by Gerardo Olivares and Otmar Penker in a semi-documentary style. Its major highlights are photography, soundtrack and sound mixing. The images of the wildlife are breathtaking, especially the scenes made ​​with the eagle. The camera angles, including the mini camera installed on the eagle, enable the vision of all the landscape of the Austrian Alps, which is to behold. In that Brothers of the Wind does not lack anything when compared to the best documentaries about nature. The sound mixing gives realism to the narrated story, immersing the viewer in the animal life.

The weak point of the film that ends up compromising the movie's final result is the script. It focuses too much on the melodrama of the boy 's relationship with his father. While the scenes of wildlife are natural, family sequences are all artificial and forced. The writers trio (Otmar Penker, Joanne Reay and Gerald Salmina) errs in trying to turn the eagle struggle to survive into something bigger, making a link in Lukas and Abel's story. The directors and writers should have focused only on the nature and eagle majesty, who is the great protagonist of the narrated story.

Original title: Wie Brüder im Wind

English title: Brothers of the Wind

Directors: Gerardo Olivares and Otmar Penker

http://www.imdb.com/title/tt3532278

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Wie Brüder im Wind (2015)

O cinema possui bons filmes que contam uma história entre homem e animal. Dentre eles podemos citar: Born Free - A História de Elsa (1966), Brother of the Wind (1973), The Black Stallion - O Corcel Negro (1979), L'ours - O Urso (1988), Cheetah - Cheetah - Uma Aventura na África (1989), Fly Away Home - Voando Para Casa (1996), Duma (2005), Eight Below - Resgate Abaixo de Zero (2006), Le Renard et L'enfant - A Raposa e a Menina (2007), Life of Pi - As Aventuras de Pi (2012) e The Jungle Book - Mogli: O Menino Lobo (2016). Em Wie Brüder im Wind (título original; ainda sem título em português, mas que em tradução livre seria "Irmãos do Vento"), a história se desenvolve em torno de uma criança e uma ave de rapina, no ano de 1960, em algum lugar dos alpes austríacos. Na natureza a águia cria dois filhotes, sendo que o mais forte sempre acaba por jogar o mais fraco para fora do ninho. Assim, após ser arremessado pelo filhote mais velho para fora do ninho e cair no chão da floresta, o que seria uma sentença de morte para o filhote mais novo, ele é resgatado por Lukas (interpretado por Manuel Camacho), que passa a cuidar do animal selvagem em segredo. Com problemas de relacionamento com o seu pai, Keller (interpretado por Tobias Moretti, conhecido por Das Finstere Tal - O Vale Sombrio - 2014), o menino encontra amor e companheirismo na ave, apelidada de Abel. Mas quando chegar a hora de libertar a águia de volta à natureza, conseguirá Abel se integrar à vida selvagem e Lukas encontrar a sua própria libertação para uma nova vida?

A história é narrada por Jean Reno (conhecido por Léon - O Profissional - 1994), que interpreta o personagem Danzer, um guarda florestal que vive no local. O filme é dirigido pela dupla Gerardo Olivares e Otmar Penker em um estilo de semi-documentário. Seus grandes destaques são a fotografia, a trilha sonora e a mixagem de som. As imagens da vida selvagem são de tirar o fôlego, especialmente as filmagens feitas com a águia. Os ângulos das câmeras, inclusive a mini câmera instalada na própria águia, conseguem aproveitar toda a paisagem dos alpes austríacos, que é de encher os olhos. Nesse ponto Wie Brüder im Wind não deixa a desejar em nada quando comparado aos melhores documentários sobre natureza. Já a mixagem de som confere realismo à história narrada, imergindo o espectador na vida animal.

O ponto fraco do filme e que acaba comprometendo seu resultado final é o roteiro. Foca-se demais no melodrama da relação do menino com seu pai. Enquanto as cenas da vida selvagem são naturais, as sequências familiares são todas artificiais e forçadas. O trio de roteiristas (Otmar Penker, Joanne Reay e Gerald Salmina) erra ao tentar transformar a luta da águia pela sobrevivência em algo maior, fazendo um elo da história de Lukas e Abel. Os diretores e roteiristas deveriam ter focado apenas na natureza e na majestade da águia, que é a grande protagonista da trama narrada.

Título original: Wie Brüder im Wind

Título em português: ainda sem título

Diretores: Gerardo Olivares e Otmar Penker

http://www.imdb.com/title/tt3532278

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The One I Love (2014) - Review in english

Some movies can show that cinema is not just made of large productions and even with low budget and no major special effects you can produce a great film. This is the case of The One I Love, first feature-film of the director Charlie McDowell. With an original script and filmed almost in one set (a country house), the viewer is captivated by the story and the main characters in such a way that he will wait anxiously for the outcome of the plot. The One I Love reminds us of another great film in the same style that also did not have the proper recognition: Coherence (2013).

The story involves a couple, Ethan (played by Mark Duplass, known for Safety Not Guaranteed - 2012) and Sophie (played by Elisabeth Moss, known for the character Peggy Olson in the TV series Mad Men - 2007-2015), which make therapy to try to overcome the serious marital crisis in which they live. After an unsuccessful attempt to rediscover love through an important and happy time in the past, on the verge of separation, the therapist (played by Ted Danson, known for Saving Private Ryan - 1998) suggests as the last device in attempt to save the marriage of the couple that they spend a weekend in his cottage. What begins as a romantic and fun retreat soon becomes surreal when an unexpected discovery requires both to rethink about themselves, their relationships and their future.

This is the typical movie that the less you know about the plot the better will be your cinematographic experience. Despite being classified as a romance, drama and science fiction, the movie can not be classified in a predominant genre. There are also passages of suspense and mystery in the history. And here we must highlight the work of the director and Justin Lader's great script, who tackles an issue that is not new (marital crisis) in a creative and engaging way. There is a deep approach to the difficulties of living together with someone as well as the expectations that we created with respect to each other and also to the new. There was a concern to keep the two views of the plot (the vision of man and woman) in balance, and the story does not force the viewer to tilt to one side. The soundtrack is subtle and sometimes goes unnoticed, but it sets the tone needed for the various stages of the work.

A curiosity revealed by Duplass (which besides actor is also a director, writer and producer) in this interview, was that although the script has 50 pages and be carefully detailed, both in movement and in which the characters are doing, it doesn't have written dialogue. Thus, each piece of dialogue in the film was improvised. The actors were being as natural as they could with their motivations and the trajectory of the scene and using surprises so that the other does not accommodate, making more spontaneous actions than if they were rehearsing. It is noteworthy that the duo Duplass and Moss delivered fine performances both individually and as a couple. The viewer is involved in the story and have the impression that is watching a actual story with real characters and conflicts.

The title of the film, The One I Love, seems innocent and generic, but gains new connotations when contrasted with the story itself and the movie poster. With a few twists, a clever and intriguing plot and a deliberately open-ending, the movie will leave you thinking about its nuances. This is a film that provokes reflection and certainly will rouse in the viewer the will to go back in the history, whether to contemplates it in detail or to try to get some answers to the questions that were unanswered.   

Original title: The One I Love
Director: Charlie McDowell
http://www.imdb.com/title/tt2756032/

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