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Profumo di Donna (1974) - Review in english


Every time someone talks about the film Scent of a Woman (1992) comes in memory the modern classic starring Al Pacino, which finally recieved the Oscar award for Best Actor. What few people know is that this movie is a remake of an Italian film Profumo di Donna (Scent of a Woman - 1974), adapted from the literary novel Il Buio and Il Miele - 1969, by Giovanni Arpino, and directed by Dino Risi (known for Una Vita Difficile - A Difficult Life - 1961, II Sorpasso - 1962 e I Mostri - Opiate '67 - 1963).

Profumo di Donna tells the story of Captain Fausto Consolo (Vittorio Gassman, known for I Soliti Ignoti - Big Deal on Madonna Street - 1958, La Grande Guerra - The Great War - 1959, II Sorpasso - 1962, L'armata Brancaleone - For Love and Gold - 1966 e C'eravamo Tanto Amati - We All Love Each Other So Much - 1974), a retired soldier who lives alone with an old aunt in the city of Turin and decides to hold a 7-day train trip to Genoa, Rome and Naples. Having been blinded in an accident in a military operation, the army appointed a young soldier to accompany him on the tour, Giovanni Bertazzi (Alessandro Momo, known for Malizia - Malice - 1973), to whom Fausto nicknames Ciccio. Ruled by women and alcoholic beverages their adventures seem innocent and fun, but as the journey unfolds, an obscure purpose is revealed.


Gassman's interpretation is one of the highlights of the movie and he even received the award for Best Actor in Cannes. The actor manages to impeccably convey all the internal conflict of the main character: Faust is a blind man and maimed left hand, melancholic, cynical, exhausted from his life's routine, behaving in a cruel and arrogant way, despite having acquired notable ease of movement and precise notion of the objects location. Ironic and uninhibited, he acts in a natural way, as if he could see, and takes advantage of his privileged condition (blindness) to make fun of dissimulation and pretense of society, with disdain by the conventions of compassion which he is also hostage. This ambiguous feeling of admiration and disgust for a character who has a grandeur that sometimes makes us even forget his physical limitation, but who is also unpleasant, bitter and sarcastic, reflects his conflictive personality, but at the same time also charismatic. Womanizer and drinker, blindness accentuated his other senses, especially the sense of smell. Even from a distance the presence of attractive women is perceived by scent, which leaves him ecstatic, making a perfect analogy to the title of the film: Profumo di Donna (Scent of a Woman).

The film shows the efforts that a person can do to hide their feelings and feed a false appearance of strength and security. The internal tension which Faust suffers guides his behavior and relationships with the people around him. In rejecting compassion and pity he ends up also rejecting affection and love. So the journey of the main character symbolizes a journey in search of himself, self-acceptance and the consent of other's people affection.


With a parallel plot, the film highlights the contrast between the captain and the young soldier. While Giovanni is a mixture of inexperience, naivety and insecurity, Faust stands for his experience, invulnerability and security that he appears to have. Rather than being a victim of a misfortune, the captain shows himself as the true guide in the story, reversing the roles between the blind man and his companion. As the trip goes by the young soldier learns life lessons, such as how to distinguish between appearance and reality, love and fraud, words and actions. The interpretation of Alessandro Momo is quite convincing, making him another standout in the movie. It was a shame his career being interrupted so early. The actor died in a motorcycle accident a few days after the film was completed. Sara (Agostina Belli, known for Mimì Metallurgico Ferito Nell'onore - The Seduction of Mimi - 1972 e Telefoni Bianchi - The Career of a Chambermaid - 1976completes the trio of main characters. She is a young woman in love with Faust and does not conform to his sickness, being the only one who knows all his facets. Here we must highlight the work of the director Dino Risi, who manages to capture the best of each actor, interweaving good comedic moments with great dramatic situations.

The soundtrack is beautiful, managing to convey different feelings interpreted by the actors in the scenes, aside from involving the viewer in the narrative. The script builds up fine characters, developing brilliant dialogues. Gassman's gesticulation, Momo's self-restraint and Agostina's sensuality are noteworthy. The movie won two seats among the Oscar nominees: Best Adapted Screenplay and Best Foreign Film.


With brief notes, the photograph depicts a casuistry time of Italian society, full of meanings. On the streets, on trains, in hotels, terraces, at parties and in their own language, slowly arises a profile of a society. The Italians are cheerful and receptive, talkative, using a lot the hands to gesticulate, speaking loudly and not sparing swear-words in their conversations. They are religious, romantic and spontaneous, but as all patriarchal society, they have very strong male and female stereotypes. Faust is an authoritarian man, who has to be seen as strong, an imposing figure. Sara reflects the situation of women, in which they dream to feel indispensable to the life of the men they love. All these aspects clearly translate the Mediterranean spirit.

Finally, as it should be, a brief comparison between the American version (1992) and the original movie (1974) is inevitable. The remake of Scent of a Woman is completely different from the Italian film. Relying on Hollywood aspects, such as the need to have an episode of trial, the American version lengthen the story too much, spending too much time with the student, bad acted by Chris O'Donnell (Batman Forever - 1995 e Batman & Robin - 1997). The scenes of tango and Ferrari are some of its strengths, but by opting for melodramatic twists, it ends up falling in some clichés. Its great success and prominence is the exceptional performance of Al Pacino (to name a few of his films: The Godfather - 1972Serpico - 1973The Godfather: Part II - 1974Dog Day Afternoon - 1975And Justice for All - 1979Scarface - 1983 e The Godfather: Part III - 1990). The two main actors in each version (Al Pacino and Vittorio Gassman) are impeccable, but the original movie has a special charm, being in many ways, more humane, sensitive, stripped-down and engaging. It's a pity that the American remake completely lost the Italian culture, both of everyday life in Italy and the Italian way of doing cinema of the 70s.


Original title: Profumo di Donna
English title: Scent of a Woman
Director: Dino Risi

http://www.imdb.com/title/tt0072037/



Profumo di Donna (1974)

Toda vez que alguém comenta sobre o filme Perfume de Mulher vem na lembrança das pessoas o clássico moderno estrelado por Al Pacino, Scent of a Woman (Perfume de Mulher - 1992), que finalmente o consagrou com o Oscar de Melhor Ator. O que poucos sabem é que essa obra cinematográfica é um remake de um longa-metragem italiano, Profumo di Donna - 1974, adaptado do romance literário Il Buio e Il Miele - 1969, do autor Giovanni Arpino, e dirigido por Dino Risi (conhecido por Una Vita Difficile - Uma Vida Difícil - 1961, II Sorpasso - Aquele que Sabe Viver - 1962 e I Mostri - Os Monstros - 1963).

Perfume de Mulher conta a história do capitão Fausto Consolo (Vittorio Gassman, conhecido por I Soliti Ignoti - Os Eternos Desconhecidos - 1958, La Grande Guerra - A Grande Guerra - 1959, II Sorpasso - Aquele que Sabe Viver - 1962, L'armata Brancaleone - O Incrível Exército Brancaleone - 1966 e C'eravamo Tanto Amati - Nós que nos Amávamos Tanto - 1974), um militar reformado que vive sozinho com uma velha tia na cidade de Turim e decide realizar uma viagem de trem de 7 dias por Gênova, Roma e Nápoles. Por ter ficado cego em um acidente em uma operação militar, o exército designou um jovem soldado para acompanhá-lo no passeio, Giovanni Bertazzi (Alessandro Momo, ator de Malizia - Malícia - 1973), a quem Fausto apelida de Ciccio. Regradas a mulheres e bebidas, suas aventuras parecem inocentes e divertidas, mas à medida que a viagem transcorre, um propósito obscuro é revelado.


A atuação de Gassman é um dos grandes destaques do filme, recebendo inclusive a premiação de Melhor Ator em Cannes. O ator consegue transmitir de forma impecável todo o conflito interno do personagem principal: Fausto é um homem cego e maneta da mão esquerda, melancólico, cínico, exaurido da sua vida rotineira, comportando-se de maneira cruel e arrogante, apesar de ter adquirido notável facilidade de movimento e noção precisa da localização dos objetos. Irônico e desinibido, ele age de forma natural, como se pudesse ver, e se aproveita de sua condição privilegiada (cegueira) para zombar da dissimulação e do fingimento da sociedade, com desdém pelas convenções de compaixão das quais também é refém. Esse caráter ambíguo, de admiração e repulsa por um personagem de uma grandiosidade que por vezes nos faz até esquecer sua limitação física, mas que também é desagradável, amargo e sarcástico, reflete sua personalidade conflituosa, mas ao mesmo tempo carismática. Mulherengo e bebedor, a cegueira acentuou-lhe os outros sentidos, sobretudo o apurado olfato. Mesmo à distância, a presença das mulheres atrativas é percebida pelo cheiro, que o deixa em êxtase, fazendo uma analogia perfeita ao título do longa: Profumo di Donna (Perfume de Mulher).

O filme mostra os esforços que uma pessoa é capaz de fazer para esconder seus sentimentos e alimentar uma falsa aparência de força e segurança. A tensão interna que Fausto sofre pauta o seu comportamento e as relações com os indivíduos ao seu redor. Ao rejeitar a compaixão e a piedade ele acaba por também rejeitar o afeto e o amor. Assim, a jornada do personagem principal simboliza uma viagem em busca de si próprio, da auto-aceitação e do consentimento da afeição dos outros.


Com uma trama em paralelo, o longa ressalta o contraste entre o capitão e o jovem soldado. Enquanto Giovanni é um misto de inexperiência, ingenuidade e insegurança, Fausto se sobressai pela experiência, invulnerabilidade e segurança que aparenta ter. Ao invés de ser mais uma vítima de um infortúnio, o capitão se mostra como o verdadeiro guia na história, invertendo os papéis entre o cego e o seu acompanhante. À medida que a viagem decorre o jovem soldado vai aprendendo lições de vida, como saber distinguir entre aparência e realidade, amor e fraude, palavras e ações. A interpretação de Alessandro Momo é bastante convincente, tornando-o outro destaque no filme. Foi uma pena a sua carreira ter sido interrompida tão precocemente. O ator morreu em um acidente de moto poucos dias após o filme estar completo. Sara (Agostina Belli, conhecida por Mimì Metallurgico Ferito Nell'onore - Mimi, o Metalúrgico - 1972 e Telefoni Bianchi - Telefones Brancos - 1976) completa o trio de personagens principais. Ela é uma jovem apaixonada por Fausto que não se conforma com a sua enfermidade, sendo a única que conhece todas as suas facetas. Aqui cabe uma menção ao diretor Dino Risi, que consegue captar o melhor de cada ator, intercalando bons momentos cômicos com ótimas situações dramáticas.

A trilha sonora é belíssima, conseguindo transmitir os diversos sentimentos interpretados pelos atores nas cenas, além de envolver o espectador na narrativa. O roteiro trabalha muito bem os personagens, desenvolvendo diálogos brilhantes. Ganham evidência a gesticulação de Gassman, o comedimento de Momo e a sensualidade de Agostina. O filme conquistou duas vagas entre os Indicados ao Oscar nas categorias Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Filme Estrangeiro.


Com breves apontamentos, a fotografia retrata uma época casuística da sociedade italiana, repleta de significados. Nas ruas, nos trens, nos hotéis, nos terraços, nas festas e na própria língua, aos poucos vai surgindo um perfil de uma sociedade. Os italianos são alegres e receptivos, falantes, utilizam-se muito das mãos, falam alto e não poupam os palavrões em suas conversas. São religiosos, românticos e espontâneos, mas como toda sociedade patriarcal, possuem esteriótipos masculinos e femininos muito fortes. Fausto é um homem autoritário, que tem que se fazer ver como forte, uma figura que impõe. Sara reflete a situação feminina, na qual as mulheres sonham em se sentir indispensáveis para a vida do homem que amam. Todos esses aspectos traduzem com clareza o espírito mediterrâneo.

Por fim, como não poderia deixar de ser, uma breve comparação entre a versão americana (1992) com o original homônimo (1974) é inevitável. O remake de Perfume de Mulher é completamente diferente do longa italiano. Apoiando-se em aspectos hollywoodianos, como a necessidade de ter um episódio de julgamento, a versão americana estica demasiadamente a história, gastando tempo demais com o estudante, interpretado pelo fraco Chris O'Donnell (de Batman Forever - Batman Eternamente - 1995 e Batman & Robin - 1997). As cenas do tango e da Ferrari são alguns de seus pontos fortes, mas ao optar por reviravoltas melodramáticas, acaba caindo em alguns clichês. Seu grande destaque e razão de seu grande sucesso é a excepcional atuação de Al Pacino (para citar apenas alguns de seus filmes: The Godfather - O Poderoso Chefão - 1972, Serpico - 1973, The Godfather: Part II - O Poderoso Chefão II - 1974, Dog Day Afternoon - Um Dia de Cão - 1975, And Justice for All - Justiça para Todos - 1979, Scarface - 1983 e The Godfather: Part III - O Poderoso Chefão III - 1990). Os dois atores principais em cada versão (Al Pacino e Vittorio Gassman) estão impecáveis, mas o filme italiano tem um charme especial, sendo, em muitos aspectos, mais humano, sensível, despojado e envolvente. Uma pena que a refilmagem americana perdeu completamente a cultura italiana, tanto da vida cotidiana na Itália quanto do jeito italiano de se fazer cinema dos anos 70.



Título original: Profumo di Donna
Título em português: Perfume de Mulher
Diretor: Dino Risi
http://www.imdb.com/title/tt0072037/






Z for Zachariah (2015) - Review in english


Science fiction movies have always aroused interest of directors and screenwriters and whetted the imagination of people. Z for Zachariah, based on the homonymous book by Robert C. O'Brien and directed by Craig Zobel, is a typical post-apocalyptic movie (to quote a recent film in that style we have the great The Survivalist - 2015) which focuses on drama and interpersonal relationships. Ann Burden (Margot Robbie, known for The Wolf of Wall Street - 2013) is a young woman who survived a nuclear disaster, which devastated almost the entire planet, in one of the only places not affected by the radiation: her family's farm. She lived alone with her dog Faro until the appearance of the scientist John Loomis (Chiwetel Ejiofor, known for 12 Years a Slave - 2013), which had managed to resist the tragedy thanks to its special costume. An affinity and a bond are established between them, but the arrival of another survivor, the mysterious Caleb (Chris Pine, known for the films Star Trek - 2009 and Star Trek Into Darkness - 2013), threatens the relationship between John and Ann and shatters the harmony of the place.


The pace of the film is slow, focused on drama and the internal conflicts of the three characters. Instead of external threats and great action scenes or destruction, the plot deals with the complexities of the human mind, such as game of interests, distrust, fear of being alone and people's different reactions when subjected to extreme situations. Thus, the success of this type of narrative depends on tension and suspense created by the script coupled to casting and director's skills.

The performances, by the way, left absolutely nothing to be desired. Chiwetel Ejiofor hands on all duality of his character, John, which is intelligent and skeptical, but at the same time, possessive and keeps some secrets. Margot Robbie embodies the role of Ann, a humble girl, religious, sweet and naive, which is vulnerable by the inexperience of life and the fear of loneliness. Chris Pine completes the cast of confused personalities with the mysterious and manipulative Caleb, who brings with him a dark past.


The photograph, taken with long shots to explore the beautiful nature of the region, and the good soundtrack are positive features in the movie. But small failures in script and direction eventually delivered a smaller film than it could be. The dialogues and the atmosphere of tension and conflict between the characters should be better developed, especially in the third act. There is a visible continuity error in the movie: Ann's dog simply vanish after Caleb's arrival, with no explanation at all. The end, built ambitiously to enable viewer's reflection and imagination, leave some loose ends which causes the feeling that a few scenes lacked depth. After all, Z for Zachariah creates tension and drama in some moments, besides having great performances.


Original title: Z for Zachariah
Director: Craig Zobel
http://www.imdb.com/title/tt1598642/

Z for Zachariah (2015)

Os filmes de ficção científica sempre despertaram interesse dos diretores e roteiristas e aguçaram a imaginação das pessoas. Z for Zachariah (no original) ou Os Últimos na Terra (em português), baseado no livro homônimo de Robert C. O'Brien e dirigido por Craig Zobel, é um típico filme pós-apocalíptico (para citar um filme recente nesse estilo, temos o ótimo The Survivalist - 2015que foca no drama e nas relações interpessoais. Ann Burden (Margot Robbie, conhecida por The Wolf of Wall Street - O Lobo de Wall Street - 2013) é uma jovem que sobreviveu a um desastre nuclear, que devastou quase todo o planeta, em um dos únicos pontos não atingidos pela radiação: a fazenda de sua família. Ela vivia sozinha com seu cão Faro até a aparição do cientista John Loomis (Chiwetel Ejiofor, conhecido por 12 Years a Slave - 12 Anos de Escravidão - 2013), que vinha conseguindo resistir à tragédia graças ao seu traje especial. Uma afinidade e um bom convívio são estabelecidos entre eles, mas a chegada de outro sobrevivente, o misterioso Caleb (Chris Pine, conhecido pelos filmes Star Trek - 2009 e Star Trek Into Darkness - Além da Escuridão: Star Trek - 2013), ameaça a relação entre John e Ann e abala a harmonia do lugar.


O ritmo do filme é lento, focado no drama e nos conflitos internos dos três personagens. Ao invés de ameaças externas e grandes cenas de ação e destruição, o enredo aborda as complexidades da mente humana, como o jogo de interesses, a desconfiança, o medo de ficar sozinho e as diferentes reações das pessoas quando submetidas às situações extremas. Dessa forma, o sucesso desse tipo de narrativa depende da tensão e do suspense provocados pelo roteiro conjugados ao trabalho de direção e escolha do elenco.

As atuações, diga-se de passagem, não deixaram absolutamente nada a desejar. Chiwetel Ejiofor, consegue passar toda a dualidade de seu personagem John, que é inteligente e cético, mas ao mesmo tempo é possessivo e ainda guarda alguns segredos. Margot Robbie encarna o papel de Ann, uma moça humilde, religiosa, doce e ingênua, que é vulnerável pela inexperiência de vida e pelo medo da solidão. Chris Pine completa o trio de personalidades confusas com o misterioso e manipulador Caleb, que traz consigo um passado obscuro.


A fotografia, com tomadas abertas explorando a bela natureza da região, e a boa trilha sonora são pontos positivos do longa. Mas as pequenas falhas de roteiro e direção acabaram por entregar um filme menor do que ele poderia ser. Os diálogos e o clima de tensão e embate entre os personagens deveriam ser melhor trabalhados, sobretudo no terceiro ato. Há um erro de continuidade bem visível no filme: o cão de Ann simplesmente some após a chegada de Caleb, sem nenhuma explicação. O final, construído de forma ambiciosa para possibilitar reflexão e imaginação do espectador, acaba deixando algumas pontas soltas e provocando a sensação de que faltou o aprofundamento de algumas cenas. Apesar de tudo, Z for Zachariah consegue gerar tensão e drama em alguns momentos, além de contar com ótimas atuações.


Título original: Z for Zachariah
Título em português: Os Últimos na Terra
Diretor: Craig Zobel
http://www.imdb.com/title/tt1598642/


Risttuules (2014) - Review in english


75 years ago, in the early hours of June 14, 1941, more than 40,000 people were deported from Estonia, Latvia and Lithuania. That was the beginning of mass banishments to Siberia and other remote regions of the USSR promoted by the Soviet authorities. Under secret orders of Stalin, this operation was aimed to remove dissidents of the socialist regime from their home countries to quell any opposition, and promote ethnic cleansing of the region. Among these thousands of deportees was Erna Tamm (Laura Peterson) and his family (daughter and husband). The movie Risttuules (original title) or In the Crosswind (in english) was inspired by the letters of Erna written from Siberia to her husband, Heldur (Tarmo Song), from whom she was separated by the Soviets.

In his first movie, the estonian director Martti Helde was bold in its proposal: to make an art film, in black and white, through the technique of tableaux vivants, to photographically recreate the memories described in the letters. As opposed to the traditional cinematographic narrative, the tableaux vivant makes use of static shot, in which the characters stand still as the camera slowly travels through the environment. The observed time is frozen, allowing us to focus the subtle details of each scene as well as the expressions of the actors and their body language. Everything leads us to believe that we are facing a common photographic representation, which is only denied by the wind moving some objects, such as clothing, branches and leaves or sheets of paper. The voiceover of Laura Peterson complements the recreation of those memories describing events and the feelings of the protagonist.


Erna Tamm led a normal and happy life with her family until the war came into their lives. To portray this radical and abrupt change the time started to elapse in another dimension, being marked by the composition of tableaux vivants images. And it remained so until the end of this tragic and distressing period in the life of the protagonist, when the war came to an end. Throughout this journey we take notes of the Soviet cruelties, with the deportees being transferred in inhumane conditions inside animal wagons, suffering humiliations, being subjected to forced labor, hunger, cold, aside from the lost of relatives, friends and above all, their freedom. The soundtrack and ambient sounds help to characterize the mourning atmosphere and the melancholy of the film: almost all hope was lost.

The human tragedy experienced by the inhabitants of the Baltic countries resulted in more than 590,000 victims of the holocaust during the Soviet occupation. With the break up of the USSR, Russia, its successor, aside from maintaining a rhetoric that denies the crimes committed, even glorifies the Soviet past, its leaders, symbols and actions.


Aesthetically impeccable, made to be contemplated, as every work of art is intended to be, and with a slow pace, In the Crosswind is definitely not a film for the general public. The way it is narrated flee from the ordinary way and might not please everyone, causing strangeness and monotony in some viewers. Far beyond the story that is intended to be told, the film provides an unique sensory experience that is at the same time sad but beautiful.


Original title: Risttuules
English title: In the Crosswind
Director: Martti Helde
www.imdb.com/title/tt2534660/




Risttuules (2014)

Há 75 anos atrás, na madrugada de 14 de junho de 1941, mais de 40 mil pessoas foram deportadas da Estônia, Letônia e Lituânia. Esse foi o começo dos banimentos em massa à Sibéria e a outras regiões remotas da URSS promovido pelas autoridades soviéticas. Sob ordens secretas de Stalin, essa operação tinha por objetivo afastar de seus países de origem os dissidentes do regime socialista de modo a aplacar qualquer oposição, além de promover uma limpeza étnica da região. Entre essas milhares de pessoas deportadas estava Erna Tamm (Laura Peterson) e sua família (filha e marido). O filme Risttuules (no original) ou Na Ventania (em português) foi inspirado nas cartas de Erna escritas da Sibéria para o seu marido, Heldur (Tarmo Song), de quem foi separada pelos soviéticos. 

Em seu primeiro longa-metragem, o diretor estoniano Martti Helde foi ousado em sua proposta: realizar um filme de arte, em preto e branco, através da técnica dos tableaux vivants, para recriar fotograficamente as lembranças descritas nas cartas. Em oposição à tradicional narrativa cinematográfica em movimento, o tableaux vivant utiliza-se de planos estáticos, com personagens parados enquanto a câmera percorre lentamente o ambiente. O momento observado é congelado, permitindo dar enfoque aos detalhes sutis de cada cena, assim como às expressões dos atores e sua linguagem corporal. Tudo nos leva a acreditar que estamos diante de uma representação fotográfica comum, que só é desmentida por conta do vento que movimenta alguns objetos, como peças de roupa, galhos e folhas de árvores ou folhas de papel. A narração em off de Laura Peterson complementa a recriação dessas memórias, descrevendo eventos e os sentimentos da protagonista.


Erna Tamm levava uma vida normal e feliz com sua família até o momento em que a guerra entrou em suas vidas. Para retratar essa mudança radical e abrupta, o tempo passou a transcorrer em outra dimensão, sendo demarcado pela composição das imagens tableaux vivants. E ele assim permaneceu até o fim desse período trágico e angustiante na vida da protagonista, quando a guerra chegou ao fim. Ao longo de toda essa jornada, contemplamos as crueldades soviéticas, com os deportados sendo transferidos em condições desumanas dentro de vagões de animais, sofrendo humilhações, sendo submetidos a trabalhos forçados, fome, frio, além de perderem parentes, amigos e acima de tudo, a liberdade. A trilha sonora e os sons ambientes ajudam a caracterizar o clima de lamentação e melancolia do filme: quase toda a esperança foi perdida.

O drama humano vivido pelos habitantes dos países Bálticos resultou em mais de 590 mil vítimas do holocausto durante a ocupação soviética. Com o desmembramento da URSS, a Rússia, sua sucessora, além de manter uma retórica que nega os crimes cometidos, ainda glorifica o passado soviético, seus líderes, símbolos e ações.


Esteticamente impecável, de caráter contemplativo, como toda obra de arte se propõe a ser, e com um ritmo lento, Na Ventania definitivamente não é um filme para o grande público. A forma como é narrado foge do comum e pode não agradar a todos os gostos, provocando estranheza e monotonia em alguns espectadores. Muito além da história que se propõe a contar, o longa permite uma experiência sensorial única, que ao mesmo tempo é triste e bonita.



Título original: Risttuules
Título em português: Na Ventania
Diretor: Martti Helde
www.imdb.com/title/tt2534660/ 









Under Sandet (2015) - Review in english


Several World War II stories are not told in the books, being forgotten over time. Inspired by true events, the film Under Sandet (original title) or Land of Mine (in english) addresses one of these reports, which occurred in Denmark after the war. Fearing that a possible Allied invasion would take place from the Danish coast, Nazi Germany filled the entire length of Denmark's west coast with over 1.5 million mines. With the german surrender and the end of the war in May 1945, more than 2,000 german prisoners of war were sent to disarm those landmines. The story focuses on a small group of young germans who have the hard and dangerous task of clearing 45,000 mines from a danish beach to gain freedom.

The film, written and directed by Martin Zandvliet, is an excellent motion picture, managing to bring to the screen a work with a new approach, although all the other war films ever made before. With an original script, the director succeeds to convey the bitterness brought by five years of Nazi occupation in Denmark. He also portrays the exploitation of children dragged into war. One of the great successes of Zandvliet's direction and script is to show the war cycles: the winners, the danes, start to adopt the brutal practices of the losers, the germans. It was precisely for situations like this that the Second World War broke out. France and other winning countries of World War required repairs and imposed absurd sanctions to Germany.


The photography, by Camilla Hjelm, is to behold. And here, again, we have to highlight the director's work. The use of long shot captures the beautiful danish landscape, while more intimate moments allow us to monitor the interactions among those soldiers. Maintaining an intense pace, the tranquility and vastness of the beach are contrasted, at all times, with the danger that awaits them "under the sand", expression that names the film. The soundtrack is catchy and at times heartbreaking, fitting in the drama narrated in the film.















One of the elements that makes Land of Mine a memorable experience is the excellent performance of Roland Møller, playing the role of Sergeant Carl Rasmussen, protagonist of the story. Responsible to oversee the group of german soldiers, Carl struggle to separate his military duties from the hatred he feels for the old enemy. The actor delivered a complex character, moody, bitter and angry, but at the same time which has not lost humanity that exists within him. The rest of the cast was also well chosen and psychologically developed, in which the actors who play the soldiers have different personalities.

With a philosophical discussion about military conflicts as well as being very intense and beautiful, Under Sandet gives us a real view of the complexities of the Second World War and human behavior.



PS: the original trailer has some spoilers. If you are interested in seeing this movie, I suggest not watching it.


Original title: Under Sandet
English title: Land of Mine
Director: Martin Zandvliet

Under Sandet (2015)

Várias histórias da Segunda Guerra Mundial não são contadas nos livros, caindo no esquecimento com o passar do tempo. Inspirado em fatos reais, o filme Under Sandet (no original) ou Terra de Minas (em português) aborda um desses relatos, que ocorreu no pós-guerra na Dinamarca. Temendo que uma possível invasão dos Aliados se daria a partir do litoral dinamarquês, a Alemanha nazista preencheu toda a extensão da costa oeste da Dinamarca com mais de 1,5 milhões de minas. Com a rendição alemã e o fim da guerra em maio de 1945, mais de 2 mil prisioneiros de guerra alemães são enviados para desarmar essas minas terrestres. A história foca em um pequeno grupo de jovens alemães que têm a difícil e perigosa tarefa de limpar 45 mil minas de uma praia dinamarquesa para ganhar a liberdade.

O filme, escrito e dirigido por Martin Zandvliet, é uma excelente peça de cinema, conseguindo trazer para as telas uma obra com uma abordagem nova, apesar de todos os demais filmes de guerra já feitos anteriormente. Com um roteiro original, o diretor consegue transmitir todo o rancor trazido pelos 5 anos de ocupação nazista na Dinamarca, além de retratar a exploração de crianças arrastadas para a guerra. Um dos grandes acertos da direção e do roteiro de Zandvliet é mostrar os ciclos de guerra: os vencedores, os dinamarqueses, passam a adotar as práticas brutais dos perdedores, os alemães. Foi exatamente por situações como essa que a Segunda Guerra Mundial eclodiu, pela França e demais países vitoriosos da Primeira Guerra Mundial exigirem reparações e imporem sanções absurdas à Alemanha.


A fotografia, de Camilla Hjelm, é de encher os olhos. E aqui, mais uma vez, temos que destacar o trabalho do diretor. A utilização de planos abertos capta a linda paisagem dinamarquesa, enquanto momentos mais intimistas permitem acompanhar as interações entre aqueles soldados. Mantendo um ritmo intenso, a tranquilidade e vastidão da praia são contrastados, a todo momento, com o perigo que os aguarda debaixo da areia, expressão que dá nome ao longa (Under Sandet = Sob a Areia). A trilha sonora é cativante e, em alguns momentos, de partir o coração, ambientando o drama narrado no filme.


Um dos elementos que transformam Terra de Minas em uma experiência memorável é a excelente atuação de Roland Møller, interpretando o papel do Sargento Carl Rasmussen, protagonista da história. Incumbido de supervisionar o grupo de soldados alemães, Carl luta para separar seus deveres militares do ódio que sente pelo antigo inimigo. O ator consegue entregar um personagem complexo, temperamental, amargo e zangado, mas que ao mesmo tempo ainda não perdeu a humanidade que existe dentro de si. O restante do elenco também foi bem escolhido e explorado psicologicamente, com os atores interpretando soldados com personalidades diferentes.

Com uma discussão filosófica sobre os conflitos bélicos, além de ser muito intenso e bonito, Under Sandet nos dá uma visão real das complexidades da Segunda Guerra Mundial e do comportamento humano. 



PS: o trailer disponibilizado mostra cenas importantes da trama (spoilers). Caso tenha interesse em ver o filme, sugiro não assisti-lo.

Título original: Under Sandet
Título em português: Terra de Minas
Diretor: Martin Zandvliet

Retour à Ithaque (2014) - Review in english


Cuba is a country that has always aroused much curiosity and interest of the people, either for its spectacular beaches or its culture and very peculiar history. Located in the Caribbean Sea, in the half of the twentieth century, the island undergone a revolution that would change the direction of Latin America, establishing and living the socialist regime since then. Thus, nothing more natural than the desire to know a little of the reality of the cubans. And this is exactly what the film Retour à Ithaque (in the original) or Return to Ithaca (in english) does: provides us with an understanding of the state of mind of the local population. The director is the french Laurent Cantet, known by its renowned Entre les Murs (The Class - 2008).

The story is set on the terrace of a building on the seafront in Havana, where five friends from youth, Rafa (Fernando Hechevarria), Tania (Isabel Santos), Aldo (Pedro Julio Diaz Ferran) and Eddy (Jorge Perugorría), now in their middle-age, come together to celebrate the return of Amadeo (Néstor Jiménez), who has lived in Spain for 16 years. His return awakens many dormant feelings in the group: lost loves, longings, frustrations, guilt and confrontations. In this period of less than 24 hours between the early afternoon and dawn of the next day, their destinations, the challenges of the past and present come to light.


The economic embargo imposed by the US government against Cuba brought grave consequences to the Caribbean country. The hardest period that the island known was the post-fall of the Berlin Wall, in the 1990s, with the end of the Soviet Union. The dissolution of Cuba's main trading partner caused a serious crisis in the cuban model, greatly impacting the lives of its inhabitants. During that time the protagonist of the story, Amadeo, left the country to live in Spain. The duality between stay on the island or get out of it is explicit in the attitude of each of the characters in the story. And here we are introduced to the sixth member of the plot: the city of Havana.

The panorama from a terrace of a building in the old center of the cuban capital covers the film's photograph with each one of its most important attributes: people living their little lives; crumbling buildings that resist time, carrying the weight of remote and recent history; the Malecón, a concrete boardwalk that runs along the edge of town, establishing the physical and psychological barrier which begin and end dreams and possibilities of many cubans; and the sea, as a promise and challenge, the boundary that divides the island from the rest of the world.


Cantet's direction produces an extremely vivid cinematographic array of rare authenticity and reality of scenes. Discussions are frighteningly credible, full of documentary features, with the camera circling the intimacy of the characters. The script, written with four hands by Laurent Cantet himself and also by Leonardo Padura (cuban author who gained notoriety with the book The Man Who Loved Dogs), contributes so that the dramatic narrative, filmed in one set, works. The story is engaging, cohesive and well written. In an interview to El País Padura told that the inspiration to compose the story came from one of his novels, La Novela de mi Vida. The actors, all cubans, gave convincing performances to their roles. With open scars and melancholy characters, they feel at the same time attraction and repulsion to the island, dream and disbelief.

Return to Ithaca is a movie that may well portray the current Brazil, which flirted dangerously with fascism/socialism/populism in recent decades and now finds itself plagued by the social/economic/political chaos. The brazilian population, as well as cuban, after having lived a moment of boom where everything seemed to work and that the nation finally seemed headed to be the "country of the future", see themselves deceived by false promises and realize that everything was no more than an utopia. The country (model) to be copied, the unwavering faith of the people in the "savior" of the fatherland and the joy of the people are some of the analogies that can be drawn between the two countries. In the midst of all this, both in Brazil and in Cuba, it is disillusionment, abandoned dreams and bitter life in which millions of people were sentenced. Return to Ithaca tells the story of five cuban friends who have lived, or rather survived, in Havana during the worst crisis in Cuba, which could well be the report of five brazilians in the worst crisis in the history of Brazil.

El Malecón, Havana.


Título original: Retour à Ithaque
English title: Return to Ithaca
Director: Laurent Cantet
http://www.imdb.com/title/tt3480158/



 
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