Busanhaeng (2016) - Review in english

Horror movies were never the same after the zombie trilogy by the director George Andrew Romero. In Night of the Living Dead (1968) we were presented to zombies who eat human flesh, a thriller mixing horror and social criticism. In the second film, Dawn of the Dead (1978), besides the social satire about paranoia and humanity to the brink of apocalypse, the movie explores the comic potential of zombies, especially black humor. We are the headless and cannibalistic beings who roam the cities. Closing the trilogy, Day of the Dead (1985) continues with the social criticism and the comic tone, but relies on a more depressive and gloomy scenario, apart from the use of graphic violence. Following the footsteps of George Romero we have the gore Braindead (1992), the horror 28 Days Later (2002) and Rec (2007), and in humor genre, Shaun of the Dead (2004), Zombieland (2007) and Død snø - Dead Snow (2009).

The South Korean movie Busanhaeng (original title) or Train to Busan (english title) focuses on horror and action, with some moments of suspense. Written and directed by Sang-ho Yeon (known for the zombie animation Seoul Station - 2016), the film tells the story of a financial sector executive, Seok Woo (played by Yoo Gong, known for Do-ga-ni - Silenced - 2011) who agrees to travel with his daughter, Soo-an (represented by Soo Kim-an), from the capital Seoul to the city of Busan for she spends some time with her mother (Seok's ex-wife). After embarking on a modern express train (KTX) passengers discover that an epidemic is raging South Korea, turning much of the population into zombies. With an infected person on board and the disease rapidly spreading, father, daughter and other passengers will have to fight for survival and for their lives, trapped inside a high-speed moving train.

The director Sang-ho Yeon does a great job, managing to immerse the viewer in the plot. Despite most of the action been set in a train the film has a dynamic narrative and impresses for its visual and technical accuracy. Unlike the slow zombies of George Romero's trilogy in Train to Busan they are extremely agile, threatening and lethal. Another highlight is the cast. The characters are well developed, even for a horror movie and the actors deliver relevant performances, especially Sang Hwa (played by Dong-seok Ma, known for Joheunnom nabbeunnom isanghannom - The Good, The Bad, The Weird - 2008), the girl in the role of the daughter, Soo-an Kim, and Yoo Gong acting as the father. The soundtrack and sound effects are moderate, providing genuine scares.

There are still some elements in the movie of South Korean culture, as the obsession with education and study, and a strong critique of modern society. The quest for professional success even at the expense of family and leisure time is questioned in the film, as well as the social tension. Moral and ethical conflicts involving empathize or not for others and follow or not the animal instinct of self-preservation are exploited by different profiles of the surviving passengers.

Despite having some cliches of the zombie genre Busanhaeng is a great horror film, with good moments of suspense, well-constructed action scenes, a well-chosen cast and the right amount of tension to captivate the viewer.

Original title: Busanhaeng

English title: Train to Busan

Director: Sang-ho Yeon

http://www.imdb.com/title/tt5700672/

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Busanhaeng (2016)

O cinema de terror nunca mais foi o mesmo depois da trilogia de filmes de zumbi do diretor George Andrew Romero. Em Night of the Living Dead - A Noite dos Mortos-Vivos (1968) fomos apresentados aos zumbis comedores de carne humana, numa mistura de suspense, horror e crítica social. Já no segundo filme, Dawn of the Dead - Despertar dos Mortos (1978), além da sátira social sobre paranoia e a humanidade à beira do apocalipse, explora-se o potencial cômico dos zumbis, sobretudo o humor negro. Nós somos os seres acéfalos e canibais que vagam pelas cidades. Fechando a trilogia, Day of the Dead - Dia dos Mortos (1985) continua com a crítica social e com o tom cômico, mas se apoia em um cenário mais depressivo e melancólico, além de utilizar bastante a violência gráfica. Seguindo os passos de George Romero, temos o gore (sanguinolência) Braindead - Fome Animal (1992), os de horror 28 Days Later - Extermínio (2002) e Rec (2007), e na linha de humor, Shaun of the Dead - Todo Mundo Quase Morto (2004), Zombieland - Zumbilândia (2007) e Død snø - Zumbis na Neve (2009).

Já o longa-metragem sul-coreano Busanhaeng (título original) ou Invasão Zumbi (em português) foca no horror e na ação, com alguns momentos de suspense. Escrito e dirigido por Sang-ho Yeon (conhecido pela animação zumbi Seoul Station - 2016), o filme conta a história de um executivo do setor financeiro, Seok Woo (interpretado por Yoo Gong, conhecido por Do-ga-ni - 2011), que concorda em viajar com sua filha, Soo-an (representada por Soo-an Kim), da capital Seul para a cidade de Busan para que ela passe um tempo com a mãe (ex-esposa de Seok). Após embarcarem em um moderno trem expresso (KTX) os passageiros descobrem que uma epidemia está assolando a Coreia do Sul, transformando boa parte da população em zumbis. Com uma pessoa infectada a bordo e com a doença rapidamente se espalhando, pai, filha e demais passageiros precisarão lutar pela sobrevivência e por suas vidas, presos dentro de um trem de alta velocidade em movimento.

  

O diretor Sang-ho Yeon realiza um ótimo trabalho, conseguindo imergir o espectador na trama narrada. Apesar de ter a maior parte de sua ação ambientada em um trem o filme possui uma narrativa dinâmica e impressiona pelo apuro visual e técnico. Ao contrário dos zumbis lentos da trilogia de George Romero, em Busanhaeng eles são extremamente ágeis, ameaçadores e letais. Outro ponto de destaque é o elenco. Mesmo se tratando de um filme de horror os personagens são bens desenvolvidos e os atores entregam performances relevantes, sobretudo Sang Hwa (interpretado por Dong-seok Ma, conhecido por Joheunnom nabbeunnom isanghannom - Os Invencíveis  - 2008), a garota no papel da filha, Soo-an Kim, e Yoo Gong atuando como o pai. Os efeitos sonoros e a música são moderados, proporcionando sustos genuínos.

Há ainda no longa-metragem alguns elementos da cultura sul-coreana, como a obsessão com educação e estudo, e uma forte crítica à sociedade moderna. A busca pelo sucesso profissional mesmo em detrimento de momentos ao lado da família e de lazer é questionada no filme, assim como a tensão social. Conflitos morais e éticos envolvendo ter empatia ou não pelos outros e seguir ou não o instinto animal da autopreservação são explorados pelos distintos perfis dos passageiros sobreviventes.

Apesar de contar com alguns clichês do gênero zumbi, Busanhaeng é um ótimo filme de horror, com bons momentos de suspense, cenas de ação bem construídas, um elenco bem escolhido e tensão na medida certa para cativar o espectador.

Título original: Busanhaeng

Título em português: ainda sem título

Diretor: Sang-ho Yeon

http://www.imdb.com/title/tt5700672/

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Wie Brüder im Wind (2015) - Review in english

Cinema has good films that tell a story between man and animal. Among them we can mention: Born Free (1966), Brother of the Wind (1973), The Black Stallion (1979), L'ours - The Bear (1988), Cheetah (1989), Fly Away Home (1996), Duma (2005), Eight Below (2006), Le Renard et L'enfant - The Fox & The Child (2007), Life of Pi (2012) and The Jungle Book (2016). In Wie Brüder im Wind (original title) or Brothers of the Wind (English title), the story revolves around a child and a bird of prey, in 1960, in some place of the Austrian alps. In nature the eagle creates two chicks, and the strongest always ends up throwing the weakest out of the nest. Thus, after being pushed by the older chick out of the nest and fall to the forest floor, which would be a death sentence for the youngest chick, he is rescued by Lukas (acted by Manuel Camacho), which takes care of the wild animal in secret. With relationship problems with his father Keller (played by Tobias Moretti, known for Das Finstere Tal - The Dark Valley - 2014), the boy finds love and companionship in the bird, named Abel. But when the time comes to release the eagle back to nature will Abel be able to reintegrate himself to the wildlife and will Lukas find his own release for a new life?

The story is narrated by Jean Reno (known for Léon - The Professional - 1994), who plays the character Danzer, a forester who lives on site. The film is directed by Gerardo Olivares and Otmar Penker in a semi-documentary style. Its major highlights are photography, soundtrack and sound mixing. The images of the wildlife are breathtaking, especially the scenes made ​​with the eagle. The camera angles, including the mini camera installed on the eagle, enable the vision of all the landscape of the Austrian Alps, which is to behold. In that Brothers of the Wind does not lack anything when compared to the best documentaries about nature. The sound mixing gives realism to the narrated story, immersing the viewer in the animal life.

The weak point of the film that ends up compromising the movie's final result is the script. It focuses too much on the melodrama of the boy 's relationship with his father. While the scenes of wildlife are natural, family sequences are all artificial and forced. The writers trio (Otmar Penker, Joanne Reay and Gerald Salmina) errs in trying to turn the eagle struggle to survive into something bigger, making a link in Lukas and Abel's story. The directors and writers should have focused only on the nature and eagle majesty, who is the great protagonist of the narrated story.

Original title: Wie Brüder im Wind

English title: Brothers of the Wind

Directors: Gerardo Olivares and Otmar Penker

http://www.imdb.com/title/tt3532278

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Wie Brüder im Wind (2015)

O cinema possui bons filmes que contam uma história entre homem e animal. Dentre eles podemos citar: Born Free - A História de Elsa (1966), Brother of the Wind (1973), The Black Stallion - O Corcel Negro (1979), L'ours - O Urso (1988), Cheetah - Cheetah - Uma Aventura na África (1989), Fly Away Home - Voando Para Casa (1996), Duma (2005), Eight Below - Resgate Abaixo de Zero (2006), Le Renard et L'enfant - A Raposa e a Menina (2007), Life of Pi - As Aventuras de Pi (2012) e The Jungle Book - Mogli: O Menino Lobo (2016). Em Wie Brüder im Wind (título original; ainda sem título em português, mas que em tradução livre seria "Irmãos do Vento"), a história se desenvolve em torno de uma criança e uma ave de rapina, no ano de 1960, em algum lugar dos alpes austríacos. Na natureza a águia cria dois filhotes, sendo que o mais forte sempre acaba por jogar o mais fraco para fora do ninho. Assim, após ser arremessado pelo filhote mais velho para fora do ninho e cair no chão da floresta, o que seria uma sentença de morte para o filhote mais novo, ele é resgatado por Lukas (interpretado por Manuel Camacho), que passa a cuidar do animal selvagem em segredo. Com problemas de relacionamento com o seu pai, Keller (interpretado por Tobias Moretti, conhecido por Das Finstere Tal - O Vale Sombrio - 2014), o menino encontra amor e companheirismo na ave, apelidada de Abel. Mas quando chegar a hora de libertar a águia de volta à natureza, conseguirá Abel se integrar à vida selvagem e Lukas encontrar a sua própria libertação para uma nova vida?

A história é narrada por Jean Reno (conhecido por Léon - O Profissional - 1994), que interpreta o personagem Danzer, um guarda florestal que vive no local. O filme é dirigido pela dupla Gerardo Olivares e Otmar Penker em um estilo de semi-documentário. Seus grandes destaques são a fotografia, a trilha sonora e a mixagem de som. As imagens da vida selvagem são de tirar o fôlego, especialmente as filmagens feitas com a águia. Os ângulos das câmeras, inclusive a mini câmera instalada na própria águia, conseguem aproveitar toda a paisagem dos alpes austríacos, que é de encher os olhos. Nesse ponto Wie Brüder im Wind não deixa a desejar em nada quando comparado aos melhores documentários sobre natureza. Já a mixagem de som confere realismo à história narrada, imergindo o espectador na vida animal.

O ponto fraco do filme e que acaba comprometendo seu resultado final é o roteiro. Foca-se demais no melodrama da relação do menino com seu pai. Enquanto as cenas da vida selvagem são naturais, as sequências familiares são todas artificiais e forçadas. O trio de roteiristas (Otmar Penker, Joanne Reay e Gerald Salmina) erra ao tentar transformar a luta da águia pela sobrevivência em algo maior, fazendo um elo da história de Lukas e Abel. Os diretores e roteiristas deveriam ter focado apenas na natureza e na majestade da águia, que é a grande protagonista da trama narrada.

Título original: Wie Brüder im Wind

Título em português: ainda sem título

Diretores: Gerardo Olivares e Otmar Penker

http://www.imdb.com/title/tt3532278

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The One I Love (2014) - Review in english

Some movies can show that cinema is not just made of large productions and even with low budget and no major special effects you can produce a great film. This is the case of The One I Love, first feature-film of the director Charlie McDowell. With an original script and filmed almost in one set (a country house), the viewer is captivated by the story and the main characters in such a way that he will wait anxiously for the outcome of the plot. The One I Love reminds us of another great film in the same style that also did not have the proper recognition: Coherence (2013).

The story involves a couple, Ethan (played by Mark Duplass, known for Safety Not Guaranteed - 2012) and Sophie (played by Elisabeth Moss, known for the character Peggy Olson in the TV series Mad Men - 2007-2015), which make therapy to try to overcome the serious marital crisis in which they live. After an unsuccessful attempt to rediscover love through an important and happy time in the past, on the verge of separation, the therapist (played by Ted Danson, known for Saving Private Ryan - 1998) suggests as the last device in attempt to save the marriage of the couple that they spend a weekend in his cottage. What begins as a romantic and fun retreat soon becomes surreal when an unexpected discovery requires both to rethink about themselves, their relationships and their future.

This is the typical movie that the less you know about the plot the better will be your cinematographic experience. Despite being classified as a romance, drama and science fiction, the movie can not be classified in a predominant genre. There are also passages of suspense and mystery in the history. And here we must highlight the work of the director and Justin Lader's great script, who tackles an issue that is not new (marital crisis) in a creative and engaging way. There is a deep approach to the difficulties of living together with someone as well as the expectations that we created with respect to each other and also to the new. There was a concern to keep the two views of the plot (the vision of man and woman) in balance, and the story does not force the viewer to tilt to one side. The soundtrack is subtle and sometimes goes unnoticed, but it sets the tone needed for the various stages of the work.

A curiosity revealed by Duplass (which besides actor is also a director, writer and producer) in this interview, was that although the script has 50 pages and be carefully detailed, both in movement and in which the characters are doing, it doesn't have written dialogue. Thus, each piece of dialogue in the film was improvised. The actors were being as natural as they could with their motivations and the trajectory of the scene and using surprises so that the other does not accommodate, making more spontaneous actions than if they were rehearsing. It is noteworthy that the duo Duplass and Moss delivered fine performances both individually and as a couple. The viewer is involved in the story and have the impression that is watching a actual story with real characters and conflicts.

The title of the film, The One I Love, seems innocent and generic, but gains new connotations when contrasted with the story itself and the movie poster. With a few twists, a clever and intriguing plot and a deliberately open-ending, the movie will leave you thinking about its nuances. This is a film that provokes reflection and certainly will rouse in the viewer the will to go back in the history, whether to contemplates it in detail or to try to get some answers to the questions that were unanswered.   

Original title: The One I Love
Director: Charlie McDowell
http://www.imdb.com/title/tt2756032/

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The One I Love (2014)

Alguns filmes conseguem mostrar que o cinema não é feito apenas de grandes produções e que mesmo com baixo orçamento e sem grandes efeitos especiais é possível produzir um ótimo filme. Esse é o caso de The One I Love (título original) ou Complicações do Amor (título em português), primeiro longa-metragem do diretor Charlie McDowell. Com um roteiro original e filmado praticamente em apenas um cenário (uma casa de campo), o espectador é cativado pela história e pelos personagens principais de tal forma que aguardará ansiosamente pelo desfecho da trama. The One I Love nos faz lembrar de um outro grande filme no mesmo estilo e que também não teve o devido reconhecimento: Coherence (2013).

A história envolve um casal, Ethan (interpretado por Mark Duplass, conhecido por Safety Not Guaranteed - Sem Segurança Nenhuma - 2012) e Sophie (representada por Elisabeth Moss, conhecida pela personagem Peggy Olson na série de TV Mad Men - Mad Men: Inventando Verdades - 2007-2015), que fazem terapia para tentar superar a grave crise conjugal em que vivem. Após uma tentativa frustrada de redescobrir o amor através de um momento importante e feliz do passado, na iminência da separação, o terapeuta (interpretado por Ted Danson, conhecido por Saving Private Ryan - O Resgate do Soldado Ryan - 1998) sugere como último artifício na tentativa de salvar o casamento do casal que eles passem um final de semana em sua casa de campo. O que começa como um retiro romântico e divertido logo se torna surreal, quando uma descoberta inesperada obriga os dois a repensarem sobre eles mesmos, seu relacionamento e seu futuro.

Esse é o típico filme que quanto menos se sabe da trama melhor é a experiência para o espectador. Apesar de ser classificado como romance, drama e ficção científica, não há um gênero predominante, existindo também passagens de suspense e mistério na história. E aqui temos que ressaltar o trabalho do diretor e o ótimo roteiro de Justin Lader, que abordam um tema que não é novo (crise conjugal) de forma criativa e envolvente. Há uma profunda abordagem sobre as dificuldades de estar junto com alguém bem como sobre as expectativas que criamos com relação ao outro e também ao novo. Houve uma preocupação em manter os dois pontos de vista da trama (a visão do homem e a da mulher) em equilíbrio, e a história não força o espectador a pender para um dos lados. A trilha sonora é sutil e às vezes passa desapercebida, mas dá o tom necessário para os diversos momentos da obra.

Uma curiosidade revelada por Duplass (que além de ator também é diretor, escritor e produtor) nesta entrevista (em inglês), foi que apesar do roteiro ter 50 páginas e ser cuidadosamente detalhado, tanto nos movimentos quanto no que os personagens estão fazendo, não havia diálogo escrito. Assim, cada pedaço de diálogo no filme foi improvisado. Os atores estavam sendo tão naturais quanto podiam com suas motivações e a trajetória da cena e usando surpresas para que o outro não se acomodasse, tornando as atuações mais espontâneas do que se fossem ensaiadas. Cabe ressaltar que a dupla de protagonistas Duplass e Moss entrega ótimas atuações tanto individualmente quanto como na relação como casal. O espectador é envolvido na narrativa e tem a impressão de que está assistindo a uma história real, com conflitos e personagens reais.

O título em inglês do longa-metragem, The One I Love, que em tradução livre seria "A pessoa que eu amo", parece inocente e genérico, mas ganha novas conotações quando contrastado com a história em si e com o poster do filme. Uma pena que a versão da tradução dada para o título em português (Complicações do Amor) tenha perdido completamente essa característica.

Com algumas reviravoltas, uma trama inteligente e intrigante e um final propositalmente aberto, The One I Love o deixará pensando sobre as suas nuances. Este é um filme que provoca a reflexão e que certamente o aguçará o suficiente para voltar na história, seja para contemplá-lo em seus detalhes ou para tentar buscar algumas respostas para as dúvidas que ficaram no ar.

Título original: The One I Love
Título em português: Complicações do Amor
Diretor: Charlie McDowell
http://www.imdb.com/title/tt2756032/

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The Shallows (2016) - Review in english

Since the Steven Spielberg's classic Jaws (1975) the movie industry did not have a thriller film involving shark able to make the viewer feel scared and also cheer to the protagonist so intensely. Directed by the Spanish Jaume Collet-Serra (known for Orphan - 2009 and Unknown - 2011) the feature-film The Shallows tells the story of Nancy (played by Blake Lively, known for The Age of Adaline - 2015), who goes surfing alone on a paradisiac and deserted beach in Mexico, where her mother visited decades ago. After spending much of the day surfing she is attacked by a great white shark, getting trapped 180 meters from the beach. Needing to race against time and fight for her life, the battle for survival requires from Nancy all her skill, cleverness and fortitude.

There are several reports of shark attack around the world, which adds even more drama to the story told. A recent case that had worldwide impact occurred on September 19, 2015, during the final heat of the World Surfing Circuit in Jeffreys Bays in South Africa. The three-time world champion Mick Fanning was surprised by a shark attack and escaped with a severed leash on his surfboard. Fortunately the episode had a happy ending and Fanning was unhurt, as it can be seen in the images recorded on the day.

Esthetically The Shallows is impeccable. The site chosen for filming is paradisiac and the direction of photography of Flavio Martínez Labiano (also worked in Unknown - 2011) is very beautiful. The scenes both inside and outside of the water and the aerial and water camera shots have created an amazing setting, bringing the viewer into the plot. The use of non-professional cameras and surf scenes manage to convey truthfulness to the narrative. The direction of Jaume is attractive, engaging and agile, exploiting well the open shots to contrast the man's relationship with nature. Here we point out a visual device that was very well used in the movie: the option to put text messages, Instagram photos and video conversations on the screen.

The performance of Blake Lively in the lead role is efficient, managing to hold a difficult role in a film centered on the protagonist. The soundtrack has no exaggerations, conveying the necessary tension that the story needs. A negative point that weighted down the final result of the movie was the overuse of clichés. The script and direction have sinned by conventional solutions and could have innovated more. Still, The Shallows holds the attention and interest of the viewer, who will be tense and attentive to every detail of the story, waiting for the outcome of the dynamic between the prey and the predator.

Original title: The Shallows
Director: Jaume Collet-Serra
http://www.imdb.com/title/tt4052882/

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The Shallows (2016)

Desde o clássico Jaws - Tubarão (1975) o cinema não contava com um filme de suspense envolvendo tubarão capaz de fazer o espectador se assustar e torcer pela protagonista de forma tão intensa. Dirigido pelo espanhol Jaume Collet-Serra (conhecido por Orphan - A Órfã - 2009 e Unknown - Desconhecido - 2011) o longa-metragem The Shallows (título original) ou Águas Rasas (título em português) conta a história de Nancy (interpretada por Blake Lively, conhecida por The Age of Adaline - A Incrível História de Adaline - 2015), que vai surfar sozinha em uma praia paradisíaca e deserta no México, na qual a sua mãe visitou há décadas atrás. Após passar grande parte do dia surfando ela é atacada por um grande tubarão branco, ficando encurralada a 180 metros de distância da praia. Precisando correr contra o tempo e lutar por sua vida, a batalha pela sobrevivência exige de Nancy toda a sua habilidade, perspicácia e resistência.

Diversos são os relatos de ataque de tubarão ao redor do mundo, o que confere ainda mais drama à história narrada. Um caso recente que teve repercussão mundial ocorreu em 19 de setembro de 2015 durante a bateria final do Circuito Mundial de surfe, em Jeffreys Bays, na África do Sul. O tricampeão Mick Fanning foi surpreendido por um tubarão, que ao atacá-lo chegou a cortar a corda que prendia a prancha ao pé do australiano. Felizmente o episódio teve um final feliz e Fanning saiu ileso, conforme as imagens gravadas no dia.

Esteticamente Águas Rasas é impecável. O local escolhido para as filmagens é paradisíaco e a direção de fotografia de Flavio Martínez Labiano (também trabalhou em Unknown - Desconhecido - 2011) é belíssima. As cenas tanto dentro quanto fora d'água e as passagens de câmera aquáticas e aéreas criaram uma ambientação incrível, trazendo o espectador para dentro da trama. A utilização de câmeras não profissionais e as cenas de surf conseguem transmitir veracidade à narrativa. A direção de Jaume é atraente, cativante e ágil, explorando muito bem os planos abertos para contrastar a relação do homem com a natureza. Aqui cabe ressaltar um artifício visual que foi muito bem empregado no longa-metragem: a opção por colocar na tela mensagens de texto, fotos do Instagram e conversas em vídeo.

A atuação de Blake Lively no papel principal é eficiente, conseguindo segurar um papel difícil em um filme centrado na protagonista. A trilha sonora não possui exageros, transmitindo a tensão necessária que a história necessita. Um ponto negativo que acabou pesando no resultado final da obra foi o uso exagerado dos clichês. O roteiro e a direção pecaram por escolher soluções convencionais e poderiam ter inovado mais. Mesmo assim, The Shallows consegue prender a atenção e o interesse do espectador, que ficará tenso e atento a cada detalhe da história, esperando o desfecho da dinâmica entre a presa e o predador.

Título original: The Shallows
Título em português: Águas Rasas
Diretor: Jaume Collet-Serra
http://www.imdb.com/title/tt4052882/

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Turist (2014) - Review in english

Winner of the Jury Prize in the Un Certain Regard section at the 2014 Cannes Film Festival, nominated for best foreign language film at the 2015 Golden Globe Awards and nominated (making the early round of shortlist, but was not a nominee) as best foreign language film at 2015 Oscar Awards, the Swedish movie Turist (original title) or Force Majeure (in English) accompanies the emotional drama involving a Swedish family in holiday in the French Alps after an incident with an avalanche.

The story revolves around the couple Tomas (played by Johannes Kuhnke, known for Arven - The Inheritance - 2003) and Ebba (starring Lisa Loven Kongsli, acted in Engelen - The Angel - 2009) and their two sons, Harry and Vera (played by brothers Vicent Wettergren and Clara Wettergren, respectively), which spend the holidays skiing in the French Alps. Everything went well until a controlled avalanche surprised the tourists and the family, who was having lunch in the open air restaurant in the ski station. At the beginning the snow sliding down the mountain does not seem dangerous, but the phenomenon intensifies, provoking a momentary terror among people. The different reactions of Tomas and Ebba facing the imminent danger end up bringing much more devastating consequences than the effect of the avalanche itself. While he rushes out to save his own life, she stays in the place to protect the children.

The writer-director Ruben Östlund (known for De Ofrivilliga - Involuntary - 2008 and Play - 2011) portrays in a dense and deeply way the moral and psychological drama in which the characters are exposed in the plot, addressing sexuality, gender roles in the core family, marital conflicts and social conventions. The man is seen in society as strong and protective, while the woman is sentimental and dependent. There are a number of mechanisms to support these conventions, being problematized and investigated in the course of the film.

Fredrik Wenzel is responsible for picture quality that brings an alpine setting and a series of stunning images. Fixed plans, especially the avalanche scene, and open shots were made with mastery. In contrast to the cold, white and melancholy landscape, human interactions overflow life, being abundant in emotions in discussion scenes. The influence of this hostile environment in the lives of the characters is striking. Day after day we see the different moods of the family members and their emotional consequences, which are accentuated by the soundtrack of intense violin solos. Here it is worth mentioning the excellent performance of the main actors, Lisa and Johannes.

Force Majeure also promotes a reflection on the human behavior in modern society. There is a image confrontation of who we are in the privacy and what we appear to be in social life. Facebook and Instagram are filled with pictures of moments of happiness and success in a frantic search to show that we live a life of perfection. But life is full of imperfections and what defines and distinguishes us is how we deal with them.

The appearance is richer than reality? To which extent people show who they really are to the world, including closer people and intimates? The image we have of ourselves is the same seen from the look of the other? In extreme and high stress situations would we act according to our ethical and moral values ​​or the animal instinct would prevail? These are some of the questions that Force Majeure leaves to reflection.

Original title: Turist

English title: Force Majeure
Director: Ruben Östlund
http://www.imdb.com/title/tt2121382/

Trailer with some spoilers:

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